INCIDENTAL PERSON

賴依欣館長：大家好，我最剛開始在藝術領域工作時，比較是獨立策展人的角色。在2011年時成立草埕文化藝術工作室，工作室主要關注城市與公共空間的議題，但還是從策展人與藝術家的角度出發，以藝術計畫的方式關注生活所處的環境與我們面對的公共性議題。我們會進行工作坊，但還是回歸到怎麼透過展覽擾動城市對象或區域性對象，而工作坊是為了喚起一些討論。

在2017-2018年時，我開始逐漸了解，我想要有更多人關注展覽不同面向、進入藝術領域討論，因此應該有更廣大的群眾、更多不同方式，在藝術教育領域中進行連結，去參與藝術創作的過程。2018年我們成立草苞實驗室，比較是我真正開始進入實驗性的藝術教育的方法中，希望透過不同藝術家各自不同的創作方法，進入不同公眾領域中，可以帶領民眾共同思考創作。

但在過去這約八、九年的計畫中，核心本質還是主要在達到策展人的關注，或是藝術創作的過程性發展。在2019年真正進入嘉義美術館，這是地方型美術館，是面對市民的美術館，才真正意識到從策展人變為館長後怎麼營運館舍，並讓館舍藝術、建築，包含讓館內公共服務可以如何面對公共性的議題。

2020年底，美術館即將開館前後半年，我開始思考：對於嘉義這座城市，美術館他們是期待已久的館舍，但也是新的「意外的訪客」。我們也被問到，到底這個美術館可以幹嘛？他跟過去的文化中心有何不同？他會帶來什麼可能性，會有什麼展覽？它座落在過去沒有美術館的地方，讓我們開始思考，它面對的公眾、公共、觀眾是誰？這幾個字有它的雷同性，但也讓我們開始探索美術館要面對、經營，或者是要敞開的公眾性及對象到底是誰？我們開始逐步釐清。後續我在不同階段還會帶到這些議題。

對我來說，美術館的公共性必然是大家共有共享的場域，不僅是在建築或公共空間概念上面，還包含藝術內涵的轉譯、它所要對話的對象，以及藝術詮釋上要傳達的不同公眾而產生公共性。但我們怎麼面對的觀眾其實是很細節的討論，也需要不同方法。

從美術館籌備到開館前半年、開館之後的幾個階段，我們為了經營公眾的公共性，在不同階段花了不同經歷與思考對不同群眾敞開可能性。所以在籌備階段我們在開館一年前做了很多講座、工作坊以及和民眾與在地文史工作者的共識會議，來思考美術館的可能性。在開館前，這些活動也持續進行，但著力於加深和民眾的對話，希望累積更多內容，因此包含不同的刊物與podcast管道，以輕盈的方式傳遞藝文消息，每月一萬份分送到不同地區。我們也展開核心館員與志工群的教育訓練，希望能落實並深入展開對話。

開館後，我們開始節奏性的展出，也開始館內外的藝術教育。館內有各種固定與不固定，甚至針對不同族群如樂齡、新住民的計畫。我們也認為需要進行社區與學校的內外藝術教育整合的可能性，有許多out-reach的計畫。除了展演外，我們關注在不同媒介與可能性的公共對話，不只是著力藝術教育的推動，更多是希望透過可能性與所處的城市可以有有效的媒介與管道。有些是輕巧的資訊傳遞、有些是深刻的對話、有些是對未來觀眾的想像的培育計畫。後續我會再跟大家分享。

在這裡做個五分鐘的小總結，在進入美術館思考公眾議題，很大一部分著力在藝術轉譯或空間、美術館內涵資源共享，去展開對話。但這個對話必須要是分眾的，因為談到公共或公眾時常理解為一個整體，但其實需要透過不同族群與對象的經營，以至於每個人對於美術館可以有不同觀點與生活經驗的切入，才能達到公共性的開展，這是相互來回的過程。美術館可以透過不同形式之間進行連結與轉換，都會是美術館在公眾經營過程中可以運用的面向與資源運用的方式。

藝術家張允菡：大家好，今天沒有太多其他照片，但我會從我個人的學習與工作經驗分享，來談我對於藝術實踐的想法。我過去在台藝大學習雕塑，也多是從視覺藝術相關的訓練。當時在台藝大的訓練是相對傳統的美感訓練，例如關注在材質、曲線該如何，這都是來自於個人相當感性的判準，所以對於要怎麼接收這些意見我也很困惑。也在後來，大三、大四時期，乃至於研究所，比較有機會參加學校外的展覽，聽聽校外對於藝術實踐的各種討論，對於藝術可以做到什麼、怎麼去做又有了新的困惑。

接著因緣際會加入富邦文教基金會，對我來說是很重要的轉變。我在基金會的工作很多時候要協助處理課程、規劃設計，要開始大量與人溝通，思考藝術媒介如何讓人認識自己、表達自己。當時與學生工作的過程，因為學生們也少有藝術養成的經驗，所以我是透過自己過去藝術養成的經驗，陪伴孩子們完成創作。在此同時，2014年也是台灣公民運動蓬勃的時刻，所以我也開始有了生活上的追問：我作為藝術家我在現場可以做什麼？我和這些事情的關係是什麼？藝術真的可以完成一些事情嗎？

我覺得這些事情沒有一個標準的答案，所以我也就帶著這個困惑繼續往前進。我印象很深刻我當時每天上班都在想我到底在幹嘛（笑）我覺得這是很有趣的經驗，每天都在想創作和這些事情的關係是什麼，在很多事情間來來回回。當時感受到，以前在學院中，藝術就是我的全世界；但在開始工作、接觸社會議題後，覺得世界上真的好多事情在發生，藝術創作和這些事情有些關係，他們彼此交織在一起。

後來我離開基金會，和朋友們一起在害喜。我們轉換為和館舍溝通的角色，這時候會需要回過頭來想，我在藝術裡面學習的事情，要幫助我在其他的世界裡面，可以和別人一起工作的方法，我可以透過這個方法和大家一起創造更大的事情。我覺得藝術有它特別的面向和學習，這也是我後續會想和大家持續分享不同案例部分。

楊詠齡主任：接在允菡後面，剛好可以談談剛剛他所提到的和青少年工作有產出什麼樣的作品。其實我想分享，除了藝術家對於自己個人創作有所叩問，其實青少年也會對自己的想法與創作提問：今天我的創作可以做什麼？為什麼別人要看？是不是我自己在自high？但在這樣的討論中，我們也想用很多方式鼓勵他們與生活做連結。

例如這位同學他做的主題是，他有一個自己觀察紀錄的本本，記錄所有學校中他覺得荒謬的事情，例如：師長不當對待、規定上的不合理。他把這些事情紀錄下來，作為他創作的歷程。他用比嘲諷、有個人觀點的方式紀錄並完成作品，而他也在展覽中和其他人分享。所以這個作品從本來個人的分享，到與他人討論完成作品，最後進一步和同學、觀眾做分享。這些都是他們在校園中可能一起經歷的事情，透過創作的形式跳脫文字、跳脫口述去表達。

而在下面這個作品中，則是青少年關注自己內心歷程。我們鼓勵這樣的發展，但青少年也會有困惑：「這麼真實的東西適不適合拿出來呢？」但這一則作品是青少年關注在自己的生活裏發生的事情，他有些沒有那麼喜歡的狀態。老師鼓勵他用攝影的方式觀察、經驗自己的生活，感受自己覺得不舒服的狀態。他最後選擇拍攝自己家裡不同時間點：清晨、夜晚、無人的時候，一張張拍攝下來。這些照片來自於他的觀看與理解，轉化為展覽後，用磁磚做成放在地板上的一個空間，邀請觀眾走進這個空間，和他產生對話。這個作品後來也產生許多迴響與互動，很多人走近這個空間後會想和創作者以及自己過去的經驗對話，這表示作品本身是很有效的表達。

那下一個我們看到這位同學做的，是社群軟體上許多濾鏡以及特效、後製加工的照片。這個同學關注的是青少年的觀看與被觀看。當初他覺得很奇怪，他同學在社群軟體上都和本人落差很大，這同時有個衍生的觀察是，我們在網路上可能是另一種人，我們貼上很多不同標籤。後來這位同學用燈箱的方式展現作品，可以看出他有明確的創作意圖，他也把他的觀察分享給同學們。特別想分享是，這個小女生本來是非常害羞的一位同學，但經歷創作歷程，包含被超人（張允菡）這樣的老師不斷詢問創作的想法、意圖，她最後得以在展場和其他人分享她的創作。這都是她的成長與突破，也是我們之所以想要持續推動這樣企劃的原因。還有非常多的作品，但同時也要說，青少年們在創作過程中可能有疑問、討論，但創作過程和他們一起思考個人與群體的關係、一起思考怎麼行動與表達，最後一起分享你的創作是否有對群體的關懷？這些事情是和學生創作的過程中會發生的，我們和學生們一起走到可以和別人分享創作的狀態。

董維琇教授：剛剛幾位都是從實務經驗出發，我從比較學術的角度來討論這個部分。我可以回應一下剛剛超人（張允菡）說的，他說不知道自己在做什麼，其實當代藝術家很多開始有這樣的提問。很多藝術家開始跨領域的嘗試，當中波依斯（Joseph Beuys）曾有過一個概念是「社會雕塑」。「社會雕塑」即是說，過去在思考雕塑時，他的歷史發展是「雕」，然後「塑」，接著是作品和空間的關係。但波依斯的社會雕塑是透過觀念、概念去影響社會，他雕塑的對象是社會群體。他會怎麼做呢？他會到一個新的公眾空間，例如圖書館前面，進行實體演出，例如去做板書書寫，而後來他的板書也在博物館成為典藏。這樣的概念在於，他認為藝術家可以跟公共產生聯繫。

談到所謂的公共藝術，其實公共和公眾是很相近的概念，但公共更接近於空間，而公眾則指涉人。因此要說明的是，過去已經有學者與藝術家發展出公共藝術，但多半指在公共空間的大型雕塑，往往是可複製的，位於某個城市的廣場。到了90年代，則是出現不同類型的公共藝術。藝術家所做的作品也是在公共空間，但可能是表演或是以藝術形式展現倡議。這類型的90年代中期的新類型公共藝術常常是跨領域的。

台灣討論公共藝術的脈絡則是1987年解嚴前後，從社會言論自由的鬆動開始。這時候藝術家渴望和公眾接觸，跨領域的藝術家們走上街頭，以自己的方式與社會互動。最近台北市美術館的展覽「狂八〇：跨領域靈光出現的時代」就可以看到藝術家走上街頭以不同方式表達。台灣從1980年代開始有各種嘗試，進入到公共領域中。